Teaching Philosophy

I have a strong belief in stressing the principles of visual communication through art and a solid foundation of artmaking encompassing both practice and discourse. I focus my teaching strategies in a combination of traditional printmaking techniques like intaglio, lithography, silkscreen and contemporary digital and printing processes and ideas, the use of relevant contemporary references, and the promotion of research and criticism in class. I also believe that collaboration in the classroom is an important part of the learning process because it provides an atmosphere for the exchange of ideas and experimentation. Through the encounter of subjective responses to life experience and intellectual ideas, art becomes a place for understanding of the world.

At the graduate level I encourage a deeper exploration of the print as an expanded field directing students toward working processes and aesthetic thinking unique and with a sense of professionalism. Readings, personal research, and student presentation are shared and explored emphasizing an awareness of print media’s historical and cultural significance. I believe in promoting exposure to collaborative workshops as well as to interdisciplinary and diverse cultural approaches to art making. Students pursue work in a wide variety of media, participating in tutorials, graduate workshops and critiques. Graduate students have the opportunity to collaborate with visiting artist, attend lectures and participate in critiques given by renowned invited artists.

In addition to the technical and conceptual aspects of art study, students must be exposed to and experience different approaches to thinking and working. I encourage students to have an active curiosity that explores and inquires to uncover the many possibilities of creative thinking. To this end, I encourage students to consider each media or skill as a tool at the service of the creative process. Moreover, I consider failure and mistakes of great significance for the learning environment. They provide an opportunity for a greater confidence and personal growth and motivate students to explore the many possibilities of the print by experimenting with materials and researching their personal interest.

It is impossible to talk about art without referring to the social and cultural structures that support and supply endless sources of inspiration. It is true that making art is not simply expressing one’s self as an individual. Making art has a more important task; understanding, community building and collaboration. As an educator, I attempt to educate students keeping in mind their own concerns, their own culture, and their own level of comprehension. In building an artistic sensitivity, students are urged to expand their critical approaches to social concerns and promote creative practices based on common welfare.

Teaching for me has being a continuous growing and learning process. The more I can share with my students, the greater they provide a creative and positive environment in the classroom. In the end, I consider myself a successful teacher when students realized that they have an active role and responsibility, as visual culture creators, in the shaping of a more inclusive world. I regard as an essential part of education the powerful impact of the exchange of ideas. In my opinion artistic endeavors are the result of our interaction with others and the learning process that takes place is reciprocally reinvigorated. 

De como Enseño

En mi labor como docente tengo una constante determinación e interés en promover los principios de comunicación visual a través del arte y una base sólida de creación artística que abarca tanto la práctica como la investigación teórica. Enfoco mis estrategias de enseñanza en una combinación de técnicas de impresión tradicionales como intaglio, litografía, serigrafía y procesos, materiales conceptos digitales e grabados contemporáneos, Ademas considero importante el uso de referencias contemporáneas relevantes y la promoción de la investigación y la crítica en clase. También creo que la colaboración en el aula es una parte importante del proceso de aprendizaje porque proporciona una atmósfera para el intercambio de ideas y la experimentación. A través del encuentro de respuestas subjetivas a la experiencia de la vida y las ideas intelectuales, el arte se convierte en un lugar para la comprensión del mundo.

A nivel de postgrado, animo a una exploración más profunda de los procesos y conceptos del grabado entendidos como un campo expandido que ofrezca a los estudiantes la capacidad de implementar procesos individuales de trabajo y pensamiento critico con un sentido de profesionalismo. Las lecturas, la investigación personal y la presentación de los trabajos por parte de los estudiantes se comparten y exploran enfatizando la importancia que a travez de la histórica cultural han tenido los medios impresos. Creo en la promoción de la exposición a talleres de colaboración, así como a enfoques culturales interdisciplinarios y diversos para la creación artística. Los estudiantes buscan trabajo en una amplia variedad de medios, participando en tutoriales, talleres de postgrado y críticas. Los estudiantes de posgrado tienen la oportunidad de colaborar con artistas visitantes, asistir a conferencias y participar en críticas dadas por reconocidos artistas invitados.

Además de los aspectos técnicos y conceptuales del estudio de arte, los estudiantes deben estar expuestos y experimentar diferentes enfoques para pensar y trabajar. Animo a los estudiantes a tener una curiosidad activa que explore e indague para descubrir las muchas posibilidades del pensamiento creativo. Con este fin, animo a los estudiantes a considerar cada medio o habilidad como una herramienta al servicio del proceso creativo. Además, considero el fracaso y los errores de gran importancia para el entorno de aprendizaje. Proporcionan una oportunidad para una mayor confianza y crecimiento personal y motivan a los estudiantes a explorar las múltiples posibilidades de la impresión experimentando con materiales e investigando su interés personal.

Es imposible hablar de arte sin referirse a las estructuras sociales y culturales que sostienen y suministran fuentes de inspiración infinitas. Es cierto que hacer arte no es simplemente expresarse como un individuo. Hacer arte tiene una tarea más importante; comprensión, construcción de la comunidad y colaboración. Como educador, intento educar a los estudiantes teniendo en cuenta sus propias preocupaciones, su propia cultura y su propio nivel de comprensión. Al construir una sensibilidad artística, se les urge a los estudiantes a expandir sus enfoques críticos a las preocupaciones sociales y promover prácticas creativas basadas en el bienestar común.

La enseñanza para mí ha sido un proceso continuo de crecimiento y aprendizaje. Cuanto más puedo compartir con mis alumnos, más proveen un ambiente creativo y positivo en el aula. Al final, me considero una maestra exitosa cuando los estudiantes se dieron cuenta de que tienen un papel activo y una responsabilidad, como creadores de la cultura visual, en la configuración de un mundo más inclusivo. Considero como una parte esencial de la educación el poderoso impacto del intercambio de ideas. En mi opinión, los esfuerzos artísticos son el resultado de nuestra interacción con los demás y el proceso de aprendizaje que tiene lugar se revitaliza recíprocamente.